jueves, 12 de febrero de 2015

NAFEA FAA IPOIPO

Éste es el nombre con el que se conoce una obra que Gauguin pintó en su etapa Tahitiana, ¿Cuando te casas?, de 1892. 

Y es que ésta obra ha pasado a ser la obra vendida más cara de toda la historia al haber sido comprada por un multimillonario catarí por la friolera de unos 300 millones de dólares (263.3 millones de €). Hasta el momento, el récord lo ostentaba el cuadro Los jugadores de cartas, de Cézanne, que curiosamente también fue adquirido en 2012 por al parecer, un miembro de la familia real de Catar. 

Éste cuadro pertenecía hasta el momento a Rudolf Stechelín, poseedor de una valiosa colección privada, pero que desde hacía más de 50 años el cuadro podía verse en el Kuntsmuseum de Basilea, ya que alli podía disfrutarse por todos y no permanecer escondido, en una caja fuerte. 

Pero antes de eso, éstamos de enhorabuena y es que ésta obra se encuentra dentro de una exposición llamada "Fuego Blanco", que se realizará en el Museo Reina Sofía de Madrid con obras procedentes de ésta institución de Basilea, que viajarán con motivo de una remodelación en sus salas. Además de ésta obra de Gauguin se podrán ver otras de Paul Klee, Munch, Mondrian, Braque...

Os dejamos con la noticia en los medios: 

-El New York Times que publicó la noticia. 
-El País se hizo eco en España 
-Información de la exposición "Fuego Blanco" en el Reina Sofía. 


¿Cúando te casas?, 1892.







domingo, 1 de febrero de 2015

30 AÑOS DE GUERRILLA GIRLS

Nos hacemos eco en el blog del aniversario de éste grupo tan peculiar, "Guerrilla Girls". Es un colectivo artístico feminista que surgió en 1985 en Nueva York como crítica al mundo del arte, totalmente dominado por los hombres.

Uno de sus carteles más conocidos. En él podemos leer: "¿Tienen que estar las mujeres desnudas para estar en el Museo (de Arte Moderno de NY)? Menos de un 3% de los artistas en la sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 83% de los desnudos son femeninos". 

Éste grupo de mujeres se autodenominan "Conciencia del mundo del arte", ya que su objetivo fundamental es la denuncia por sexo y raza en el mundo del arte en particular y extensible a la sociedad en general. Nunca dejan ver su rostro y siempre van con máscaras de gorilas, adoptando nombres de mujeres artistas ya fallecidas.

Imagen de las "Guerrilla Girls" Fuente: alhondigadebilbao.com

Las "Guerrilla Girls" utilizan carteles para hacer llegar mensajes que informan sobre la producción artística real en el mundo del arte, convirtiéndose en la base de sus actividades.

Cartel que enumera las desventajas de ser una mujer artista. [no title] 1985–90 Tate Modern. Fuente: Tate.org.uk

Con motivo de éste aniversario, el centro de creación contemporáneo "Matadero Madrid", realiza una exposición del 30 de enero al 26 de abril de 2015, con entrada libre, en la que se podrá ver la práctica totalidad del trabajo del colectivo, así como una serie de documentos que nos informan del contexto y la historia del grupo.

El comisario de la exposición, Xavier Arakistain comenta en éste artículo de El País “Pero, sobre todo, el trabajo de Guerrilla Girls”, señala el comisario de la exposición, “nos recuerda que los diferentes objetivos políticos planteados por el feminismo de finales de los sesenta no se han alcanzado aún y nos invitan a continuar la lucha para conseguirlos. En este sentido, el cartel de 1988 Until Feminism has Achieved Its Goals, There is no Post-Feminism (hasta que el feminismo no haya alcanzado sus objetivos no habrá posfeminismo) es una firme declaración de intenciones”.

La teoría feminista va íntimamente unida al feminismo como movimiento social que opera transformando la sensibilidad ante determinados fenómenos de desigualdad, sin olvidar que todo activismo pertenece a una genealogía de resistencia micropolítica que pasa por las sufragistas, las WomanHouseProject o las Pussy Riot".


La definición de Hipócrita: "Un coleccionista de arte que compra arte masculino con beneficio a causas liberales pero nunca compra arte hecho por mujeres o artistas de color". 

Más información en: 


domingo, 13 de noviembre de 2011

LA ESCUELA DE BARBIZON


La Escuela de Barbizon, representa la transición entre el arte del romanticismo y el impresionismo. 

Formaron parte de ella importantes figuras de la pintura, que pese a no ser muy reconocidos, contribuyeron de forma notable a cambiar las directrices, los gustos y la tendencia de la pintura en el siglo XIX.




Destacan sobre todo por la pintura del paisaje, compartiendo con Camille Corot el gusto y la observación de la naturaleza, reconociendo la importancia de la luz y los cambios que desarrolla en nuestro entorno.

Así pues, comienza a desarrollarse la pintura “au plein air”, que tomará su impulso decisivo un poco más tarde y de la mano de los principales artistas del impresionismo.

Podemos destacar en primer lugar a Theodore Rousseau, que tras los rechazos de sus obras en los principales salones de París, se marchó a Barbizon en 1836 dando comienzo a un período de trabajo junto a Narcisse Díaz de la Peña, Jules Dupré y Jean François Millet.  A partir de 1848 y con el cambio artístico introducido tras las revoluciones burguesas, Rousseau tuvo mayor éxito, recibiendo en 1849 su cuadro “Avenida de árboles” una medalla de primera clase.
Theodore Rousseau "Avenida de árboles"



Charles-François Daubigny  fue animado por Corot, con quién le unía una amistad, incitándole a que pintara al aire libre, trabajando en Barbizon en la década de los 40. Muy interesado en el estudio del paisaje y la naturaleza, trabajó fundamentalmente en el estudio del agua y el cielo.

Charles François Daubigny "Escena de río francés"

Narcisse Díaz de la Peña se instaló en las cercanías de Fontainebleau en 1837, donde su bosque era un taller a tamaño natural para estos artistas. Sus obras de tormentas y bosques son las más admiradas, encontrándose su gran mayoría en el Museo del Louvre.

Narcisse Díaz de la Peña 

Jean François Millet, gran pintor realista, destaca inevitablemente por sus escenas de campesinos. No pertenece exclusivamente a este grupo, pero sí que se mostraba afín a sus objetivos, permaneciendo en Barbizon hasta la fecha de su muerte, teniendo sobre todo, un gran deseo de huir de la vida urbana, por ello muestra en su obra escenas rurales como contraposición de las escenas urbanas y  la contrariedad a la industrialización de la sociedad. A partir de la década de los 60 y bajo la influencia de su gran amigo Rousseau, se dedicó con mayor intensidad al paisaje. 
Jean François Millet "Angelus"

Jean François Millet "Espigadoras"



TAREA: 

Después de este acercamiento a la Escuela de Barbizon, vamos a realizar una tarea de investigación. Para ello hay que seguir las siguientes instrucciones: 

1. Debéis analizar la importancia del paisajismo inglés del siglo XIX como precursores de la Escuela de Barbizon, en concreto las figuras de John Constable y de William Turner. ¿Qué influencia tuvo éste último en el posterior movimiento impresionista?

2. Comenta la influencia de Millet en el movimiento realista. ¿Crees que hay semejanzas entre la obra de Millet y la de Corot? ¿En qué aspectos? Analiza alguna de sus obras que justifique tu respuesta. 

sábado, 12 de noviembre de 2011

YVES SAINT LAURENT Y EL ARTE

Esta semana he tenido ocasión de visitar la exposición que la Fundación Mapfre, en su sede del Paseo de Recoletos, en Madrid, dedica a la figura de Yves Saint Laurent

La exposición, de una manera brillante, consigue acercarnos a todas las etapas de este brillante modisto francés, pero en concreto, vamos a hablar de la relación tan cercana que existe entre YSL y el arte, presente  en su vida personal, ya que fue un coleccionista apasionado de obras artísticas (entre otras, de Picasso, Matisse y Mondrian), y también en su vida profesional, ya que en varias de sus colecciones podemos ver guiños a artistas y obras de los pintores más reconocidos. 

En 1965, Saint Laurent crea una serie de vestidos basados en la obra de Mondrian



Matisse también está presente en la colección de 1953, con una serie de creaciones pensadas para la tarde, muy femeninas, elegantes y vistosas, con el colorido tan característico del artista "fauve". 

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 Pablo Picasso y George Braque, dos de las principales figuras del cubismo, están presentes en muchas de las creaciones a lo largo de toda su carrera, vamos a ver algunas: 

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En esta capa, observamos algunas piezas e instrumentos que estuvieron presentes en las creaciones más conocidas de Braque. 
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Al igual, que los pájaros, introducidos en la obra de Braque al final de su vida, significando para el artista el principio orgánico del movimiento, como enigmáticos campos de meditación. 

También podemos ver los característicos rombos presentes en los arlequines de Picasso:
http://itsmorethanclothes.blogspot.com
Pero no son las únicos ejemplos que podemos encontrar, aquí os dejamos más muestras: 

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Algunas de las composiciones abstractas de Serge Poliakoff

http://itsmorethanclothes.blogspot.com
Aquí podemos ver un guiño a la obra de Tom Wesselmann.


Y por último, algunas de las chaquetas diseñadas con motivos de Van Gogh: 

http://www.soulchic.net.br/blog

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Yves Saint Laurent señalaba que "me he inspirado en un gran número de pintores en mis diseños porque creo que el arte no sólo forma parte de la cultura, sino de la vida y hay que mostrárselo a todo el mundo".



Entradas relacionadas: 

jueves, 16 de diciembre de 2010

LEON BATTISTA ALBERTI Y EL PALACIO RENACENTISTA

León Battista Alberti (1404-1472), nació en Génova, pero desarrolló su actividad artística en Florencia. Cumple en todos los aspectos el prototipo de hombre renacentista, ya que desarrolló durante su vida numerosas facetas como escritor, arquitecto, filósofo, músico e incluso matemático.


Escultura que representa a Alberti en la Galeria Uffizi.

Comprobó muy pronto el fuerte influjo clásico que se estaba desarrollando en las artes del siglo XV, ensalzando en su tratado "Della pittura", 1435-1436, la genialidad de la cúpula de Brunelleschi y de otras obras, calificándolas como "iguales o superiores a las de los antiguos". Alberti destaca a Donatello y Masaccio por el papel desarrollado en la restauración del estilo antiguo en la escultura y pintura florentinas, respectivamente. Así, la admiración de Alberti por los logros alcanzados en Florencia y las instrucciones y ejemplos que da a los pintores, revelan su fascinación por las prácticas de los clásicos.
Alberti recibió una fuerte formación humanística y pasó los primeros años de su carrera investigando la poesía clásica. Una vez terminó sus estudios sobre Derecho civil y canónico en Bolonia, pasó a Roma durante el pontificado de Eugenio IV, abandonando Roma en 1434 debido a diferentes disputas del papa con la nobleza romana, siguiendo al pontífice hasta Florencia, ciudad en la que se instaló.
Así, Alberti entra directamente en contacto con las obras de los florentinos, manifestando un gran entusiasmo, siendo partidario de la mezcla de latinitas e innovación que había visto en las obras de Brunelleschi, Donatello o Masaccio, por lo que desarrolló y difundió diferentes explicaciones sobre la técnica para que otros artistas pudieran adoptarla, subrayando la importancia de la perspectiva con un punto de fuga, de la armonía y el orden, así como la necesidad de elevar la posición del artista en la sociedad.
Así, el nuevo estilo all'antica se extendió desde Florencia hasta el lugar en que se había inspirado, Roma, conquistando desde allí toda la península itálica y finalmente irradiaría por toda la Cristiandad occidental.
Alberti no mostraria el mismo interés crítico por la arquitectura que el demostrado por la escultura y la pintura hasta un viaje que realizó a Ferrara en 1442. Al año siguiente comenzaria a escribir uno de los más importantes tratados arquitectónicos "De Re Aedificatoria", en el que trabajaría hasta 1452. En este período, probablemente, es cuando se le encargó el Palacio Rucellai de Florencia (1446-1451).


El Palacio Rucellai, presenta unas dimensiones moderadas, presentando una fisionomía independiente de la que era habitual por entonces en otras mansiones señoriales. Estas novedades se derivan sobre todo del aplanamiento de la piedra en la fachada y de la superposición de tres órdenes de lesenas, careciendo de función estructural alguna los elementos verticales y horizontales.
En las imágenes: Detalles de la fachada del Palacio Strozzi, Médici-Riccardi y Rucellai, respectivamente.

De las tres plantas del edificio, la más notable por su originalidad y composición es la inferior, debido a la disposición de las ventanas cuadradas que poco tienen que ver con las ventanas bíforas de los pisos superiores, y a la invención del respaldo en opus reticulatum de banco de piedra.
Giovanni Rucellai rechazó el modelo de palacio fortaleza para optar por un edificio cuya imagen representara la fortuna financiera de la familia, e hizo levantar en la plaza triangular frente al palacio, una loggia en honor de la estirpe y como vitrina pública de los productos de la tintura de lanas, negocio de la familia.

PRÁCTICA:
1. En primer lugar (aunque esto ya se da por sabido) es necesario y fundamental que seáis capaces de situar en el mapa de la Península Italiana donde se localizan las ciudades que hemos comentado. Recordamos: Génova, Florencia, Roma y Bolonia. No se puede estudiar arte sin estudiar geografía :)

2. Comenta brevemente la figura de Alberti como prototipo del hombre renacentista y su labor como tratadista

3. Después de haber leído la información que proporcionamos en el post y de haber visto las imágenes, debéis comparar el Palacio Rucellai con el Palazzo Médici, iniciado por Michelozzo en 1444 y comentar las principales semejanzas y diferencias entre ambos. No olvidéis las novedades de Alberti y de la decisión de Rucellai de construir un palacio diferente a la tradición del "palacio-fortaleza"

4. Puedes visitar algunos de los enlaces propuestos:

-Palacio Médici-Riccardi (Italiano o Inglés): http://www.palazzo-medici.it/index.php Podemos encontrar la historia del edificio y su uso actual como museo.

-La ficha de Artehistoria del Palacio Rucellai: http://www.artehistoria.jcyl.es/ciudades/monumentos/1155.htm Además ésta página incorpora un mapa de google maps, con lo que te animo a que hagas un paseo por la ciudad para poder visitar otros monumentos. No te pierdas la función Street View, parecerá que estás caminando por la acera de los palacios ;)

-La entrada que el profesor Alfredo García dedica al Palacio Rucellai en su blog.

viernes, 3 de diciembre de 2010

EL ARTE Y LOS SIMPSONS

Hoy de nuevo, realizamos una mirada a nuestro alrededor, en este caso a la famosa serie de televisión, Los Simpsons, que tras innumerables temporadas sigue emitiéndose con buenas cifras de audiencia, gustando tanto a mayores como a los más pequeños, aunque, todo hay que decirlo, algunas veces su contenido es más para adultos.

En esta serie, muy a menudo, hacen referencias al mundo de la política, el cine o la música, siendo muchos los artistas que han sido caracterizados por Matt Groening y han pasado a formar parte de la serie, pero hoy, en el caso que nos ocupa, queremos hacer referencia al arte como protagonista de algunas escenas.

En primer lugar, podéis ver estos vídeos que nos acercan a algunos fragmentos de la serie:





Aquí podéis ver más ejemplos.


Y estos otros a través de las imágenes: (obtenidas en cineypunto.blogspot.com)



Halcones nocturnos, de Edward Hopper

Nacimiento de Venus, de Botticelli

Relatividad, de Escher

PRÁCTICA: Seguramente, cuando habéis visto la serie, se os habrán pasado todas estas imágenes....Os pedimos que analicéis los vídeos y las imágenes y elaboréis un pequeño informe acerca de cual es la función del arte en las series de televisión.

jueves, 2 de diciembre de 2010

OBRAS CON UN POCO DE “HISTORIA”

Hoy, nos vamos a referir a uno de los cuadros más conocidos de un verdadero genio italiano, Tiziano. Es uno de los máximos exponentes de la Escuela veneciana, siendo su interpretación del color uno de los más influyentes legados a la historia de la pintura.


La obra en cuestión es “Carlos V en la Batalla de Mülhberg”. Es una obra realizada en óleo sobre lienzo, en 1548 y conservado en el Museo del Prado.

El cuadro nos muestra un retrato, en su modalidad ecuestre, del Emperador Carlos V, que conmemora el triunfo en la Batalla de Mühlberg, un año antes de la ejecución de la obra, donde los ejércitos imperiales vencieron a los protestantes.



La reforma protestante estaba creando en Europa una verdadera escisión religiosa, pero también política. Los opositores a Carlos V se habían reunido en torno a la Liga de Esmalkalda, formada por príncipes protestantes que desafiaban la autoridad imperial.
Las tropas de la liga se encontraban acampadas en las proximidades del río Elba, en la localidad de Mühlberg, donde se desarrolló la batalla que se saldó con la victoria del Emperador y con la disolución de la Liga y el reforzamiento de la autoridad de Carlos V, aunque fue una alegría efimera, ya que siguieron los conflictos hasta 1555, año en que tiene lugar la Paz de Augsburgo y que otorgará el principio de Cuius Regio, egio Religius a los habitantes del Imperio.

Con respecto a la obra, hemos de comentar que la sencillez de la composición esconde toda una simbología en la que se nos muestra el emperador en la condición de caballero cristiano y heredero de la tradición romana, siendo muestra de ello la lanza que sostiene, que hace referencia a San Jorge y a la lanza que portada Longinos durante la Pasión de Cristo.


PRÁCTICA: Nos informamos de la obra.

En primer lugar, puedes ver este video que nos habla de las Tesis Luteranas, la Liga de Esmalkalda y la Batalla de Mühlberg




-A continuación, en la página del Museo del Prado, podeis encontrar un magnífico análisis de la obra.

-También en formato audio, esencial para conocer la obra. Podeis al mismo tiempo ampliar la imagen para conocer los detalles.

-En el propio blog, también tenemos una entrada referida a esta obra y a su posterior influencia.

Despúes de haber analizado en profundidad el contexto histórico y la obra, estarás en condiciones de responder las siguientes cuestiones:


1. ¿Quienes se agrupaban bajo la Liga de Esmalkalda?

2. ¿En qué se inspira esta obra?

3. ¿En que se basa la novedad de esta obra?

4. Comenta brevemente las influencias posteriores que ejercerá este retrato de Tiziano